Peinture acrylique blanche sur tissu rayé gris et blanc

<p>Daniel Buren a consacré l’essentiel de sa carrière à examiner l’essence de la peinture puis les différents contextes dans lesquels les œuvres sont exposées. Sa recherche du niveau zéro de la peinture, commencée dans les années 1960, se poursuit fin 1966/67 avec l’association Buren, Mosset, Parmentier, Toroni, dont le but était de réagir contre le mythe de «l’ins- piration subjective» dans l’art, et tout particulièrement l’école de Paris. Pour Buren, cette stratégie de « déqualification » se traduit par l’utilisation systématique de tissus de fabrication industrielle, couverts de rayures alternées blanches et de couleur, larges de 8,7 centimètres. Ce motif devient l’élément stable de ses travaux ultérieurs, qu’il utilise comme un outil visuel attirant l’attention sur le rôle joué par les galeries et les musées ainsi que par l’architecture, dans la création du statut et de la valeur artistiques. Ses travaux in situ ou situés couvrent murs de musées, socles, escaliers et portes jusqu’à atteindre le tissu urbain, projetés à travers les fenêtres d’une galerie d’art et suspendus dans la rue, collés sur des panneaux d’affichage de stations de métro parisiennes ou portés par des hommes-sandwichs. Les œuvres de Buren prennent le pouvoir, recadrent les institutions artistiques elles-mêmes et posent la question de savoir si l’art cesse d’être authentique quand on le place dans le contexte de la vie quotidienne. Par-delà la critique institutionnelle dont il se fait le chantre, Buren vise aussi à produire un plaisir visuel indéniable. Et le fait est qu’avec ses drapeaux, panneaux colorés, miroirs comme avec la multiplication des formes et des supports, Buren compose un déploiement de couleur qui amène le spectateur un peu plus près de la quintessence de l’art.</p>